lunes, 28 de febrero de 2011

Welcome (Philippe Lioret, 2009)

WELCOME
Bem-Vindo
(Francia, 2009) (color, 104 min)


Director: Philippe Lioret
Guión: Philippe Lioret, Emmanuel Courcol, Olivier Adam
Fotografía: Laurent Dailland
Música: Nicola Piovani, Wojciech Kilar, Armand Amar
Género: Drama | Inmigración. Adolescencia
Reparto: Vincent Lindon, Firat Ayverdi, Audrey Dana, Patrick Ligardes, Thierry Godard, Selim Akgül, Firat Celik, Murat Subasi, Olivier Rabourdin, Yannick Renier, Derya Ayverdi


Bilal, un joven de 17 años procedente del kurdistán iraní, ha cruzado el Oriente Próximo y Europa para reunirse con su novia recién emigrada a Inglaterra. Pero su recorrido se detiene bruscamente cuando, en el lado francés, le impiden cruzar el Canal de la Mancha.
Simon, un profesor de natación en pleno proceso de divorcio, está dispuesto a hacer lo que sea para recuperar a su mujer, y lo arriesga todo ofreciendo protección a Bilal... 
Welcome una denuncia áspera y real sobre la situación de los centenares de irregulares que malviven en la ciudad de Calais, a la espera de llegar al Reino Unido, del que apenas le separan 30 kilómetros por mar.


Simple en apariencia pero cargada de humanidad y sentimiento, esta historia sobre un joven inmigrante ilegal intentando entrar en Inglaterra presenta a dos personajes completos que se van desarrollando de forma notable a través de la relación que crece entre ellos. Con destacadas actuaciones, únicamente la clara intencionalidad con la que se mueven los acontecimientos apaga ligeramente a este contenido drama.
Bilal es un joven de diecisiete años kurdo que ha llegado ilegalmente a Calais tras un viaje de tres meses desde Iraq. Su intención es llegar a Londres para reunirse con Mina, su novia y quien emigró a Inglaterra con su familia tras conseguir un visado. Pero el paso final es más complicado de lo que preveía y tras un intento frustrado de entrar en un camión, decide cruzarlo a nado. Pero el problema es que apenas puede hacer un largo de una piscina con lo que contrata a Simón para que le enseñe, un profesor de la piscina local cuya vida se encuentra vacía desde la separación con su mujer. 
El paso en ferry entre Calais y Dóver puede parecer un trámite de dos horas para la mayoría de europeos pero la ciudad francesa es también un limbo para un buen número de personas que intentan cruzar el canal. A través de la problemática de la inmigración ilegal y especialmente de la actitud de la sociedad actual, esta película construye un relato a través de dos personajes con historias personales y con algo más que contar que simplemente un cuento de alienación y sufrimiento. “Welcome” no es únicamente una historia sobre un inmigrante ilegal, es un emotivo cuento de dos personas de edades, pasados y esperanzas diferentes y prácticamente contrapuestas que se necesitan mutuamente en un momento de sus vidas. La forma en la que el director francés Philippe Lioret va revelando a sus personajes y su personalidad es excelente ya que más que mostrarlos, los desarrolla y evoluciona al mismo tiempo que el público asiste a cómo avanza su amistad. El vínculo que se forma paulatinamente entre los dos protagonistas también se crea de la misma forma e intensidad con el espectador. “Welcome” no tiene un guión intrincado ni una denuncia social más allá de la simple deshumanización de la situación en la que vive tanto Bilal, el inmigrante ilegal, como Simón a través de las actitudes de su ciudad y de su sociedad. La película tiene toda su fuerza en la simple interacción de dos personas, una persiguiendo un sueño y la otra pérdida tras haberlo tenido. La complicidad y sintonía entre los dos protagonistas es una de las claves del éxito de esta película y los actores Vincent Lindon y Firat Ayverdi además muestran una gran gama de matices que hacen completos a sus personajes. 
“Welcome” es una película que pone un rostro humano a uno de los múltiples relatos posibles que hay detrás de la inmigración ilegal pero a la vez logra algo más difícil, entregar una pequeña historia llena de desarrollo emocional y de personajes que va más allá de su escenario. (www.criticscinema.com)


Gostaríamos de acreditar que nos dias de hoje, discriminação é coisa do passado, mas isso é pura ilusão. Nos países mais desenvolvimentos ainda existe este tratamento, o qual as associações de Direitos Humanos negam ver e os habitantes dessas tais zonas ousam em ignorar, é esse tema o qual Welcome debate sobre o espectador com a comovente história de Bilal, um adolescente iraquiano, que sai do seu país de origem para Inglaterra na busca de uma vida melhor, ou talvez mais que isso, por amor. Durante a sua viagem, Bilal é apreendido no porto de Calais, França, o qual só o Canal de Mancha separa-o do seu objectivo. Ao perceber que pelas vias mais fáceis não consegue sair do país, decide tomar algumas aulas de natação com o intuito de atravessar o Canal a nado. E é nas suas aulas que conhece Simon, o instrutor, cuja vida amorosa está a desabar aos poucos, fica comovido com a história do rapaz e decide ajuda-lo na sua travessia. Apresentado no Festival de Berlim de 2009, o qual vence dois Ursos de Ouro, Welcome de Philipe Lioret é uma das melhores apostas europeias deste ano, um tocante e discreto filme que reflecte a aventura de Bilal como uma intervenção urgente ao mais ignorante do povo ocidental, mas também revela numa bem contada história de drama humano. Do mesmo realizador de Mademoiselle (2001) chega-nos uma lição de vida e um trio de actores que dão uma enorme força a esta fita, primeiro de tudo temos a introdução de Firat Ayverdi, que desempenha Bilal, o qual ao cinéfilo atento aconselho a não o perder de vista, o veterano Vincent Lindon (o qual vimos em La Moustache de 2005, desta vez sem o seu dito bigode) e Audrey Dana, a cumprir o melhor desempenho do filme. Welcome não ilude, é sim um retrato de vida, um dos melhores do ano. (www.cinematograficamentefalando.blogs.sapo.pt)


Cortesía de Triki en www.proteinicos.es pero sólo con el audio en VO

V.O.: Francés|Curdo|Inglés / Subtítulos/Legendas: Castellano, English, Português
XviD 1217 kb/s / 720x296 / 0.228 bits/pixel / 25 fps
AC3 448 kb/s (5.1) CBR
104 min / 1,3 GB



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▓██    Welcome.(Spanish.French).(Dvd-Rip).(XviD-Ac3).(Proteinicos.es).(por.Triki)    ██▓
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domingo, 27 de febrero de 2011

American Splendor (Robert Pulcini, Shari Springer Berman, 2003)

AMERICAN SPLENDOR
Anti - Herói Americano
(EE.UU., 2003) (color, 112 min)


Director: Robert Pulcini, Shari Springer Berman 
Guión: Robert Pulcini, Shari Springer Berman (Cómic: Harvey Pekar & Joyce Brabner) 
Música: Mark Suozzo 
Fotografía: Terry Stacey
Género: Drama. Cómic
Reparto: Paul Giamatti, Hope Davis, Harvey Pekar, Shari Springer Berman, Earl Billings, James Urbaniak, Judah Friedlander, Robert Pulcini, Toby Radloff, Joyce Brabner, Donal Logue, Molly Shannon 


Harvey es un empleado de un hospital local de Cleveland. Su única escapatoria de la monotonía diaria son las discusiones con sus compañeros de trabajo que abarcan temas tan dispares como la música, el declive de la cultura americana, los nuevos sabores de caramelos o la vida en sí misma. Casualmente conoce a Robert Crumb, un diseñador de postales amante de la música. Cuando algunos años después, Crumb se hace famoso gracias a sus cómics underground, la idea de que el cómic puede ser también una expresión artística para adultos lleva a Harvey a escribir su propia tira cómica. Así surge "American Splendor", un retrato irónico del estilo de vida de la clase obrera americana con todas sus imperfecciones. Publicado por primera vez en 1976, el cómic de American Splendor convirtió a Harvey en un autor de culto durante los años 80. (FILMAFFINITY)


Vaya uno a saber por qué razón las películas sobre creadores de historietas son más interesantes que las adaptaciones fílmicas de los personajes que aparecen en ellas. A todo lo bueno que se dijo sobre el documental Crumb (Terry Zwigoff, 1994) acerca del ilustrador Robert Crumb habría que sumar el buen recuerdo de The Whole Wide World (Dan Ireland, 1996), en la que se narra parte de la corta existencia de Robert E. Howard, inventor de “Conan el Bárbaro” y “Kull”. A esta dinastía se suma ahora American Splendor.
Lo novedoso, en este caso, es que el film dirigido por Shari Springer Berman y Robert Pulcini tensa la cuerda de ambos territorios narrativos –documental y ficción– y los lleva más allá, hacia un terreno singular. Es que en American Splendor conviven dos películas, una documental sobre Harvey Pekar, el creador de la historieta de mismo nombre que el film, y otra ficcional, que es la adaptación de la historieta. Pero la tensión entre estos mundos proviene de que el personaje central del comic… es el propio creador.
Lo que tenemos, pues, es un doble acercamiento al personaje: desde la realidad de ver al propio Pekar frente a cámara explicándose y, a la vez, siendo la voz en off que narra algunas partes de la ficción, en la que el estupendo Paul Giamatti (“este tipo no se parece a mí”, dice Pekar) lo interpreta. 
Harvey Pekar es un pesimista total, un obsesivo compulsivo y un ser infeliz que no halla a la mujer que lo acompañe: parece salido de una de Woody Allen. American Splendor no deja que nadie explique al personaje y todo queda influido por la negrura y la desazón que éste destila sobre la sociedad. Sin que por ello se lo convierta en una especia de mártir o de salvador moral, sino en un observador estupendo de lo cotidiano.
Hay miles de ángulos para aproximarse a American Splendor y su personaje, así como montones de puntas desde las cuales desarrollar un análisis. El film resulta una de las más extrañas simbiosis entre realidad y ficción. Una película que elige contar desde la biografía, pero apoyándose en la historieta. Que mezcla documental, ficción y animación –el Pekar dibujado cuestiona al Pekar ficcionalizado– con gran maestría. Pero que, por encima de todo, es la sutil puesta en primer plano de un ser pesimista y de cómo éste puede encontrar su lugar dentro de una sociedad que patea lo feo bajo la alfombra, y fracasa evitando el fracaso. “Si el fin es perder la guerra, el objetivo será ganar algunas batallas”, dice Pekar. Y sabe lo que dice porque él mismo representa un pequeño triunfo. - Mauricio Faliero (www.cineismo.com)


American Splendor, a banda desenhada underground dos anos 70 da autoria de Harvey Pekar, retrata, ao contrário do que nome indica, a vida quotidiana do seu autor, na grande maioria das vezes absurdamente monótona, onde tem oportunidade de exorcizar os seus fantasmas, frustrações e complexos, falar dos seus amigos, da sua mulher, do seu trabalho como arquivista num hospital de Cleveland, EUA, da sua colecção de discos de jazz comprados em feiras da ladra, da sua luta contra o cancro.
Em vez de defender o país de um inimigo com super-poderes, este (anti-)herói pode ver-se a braços com a guerra feroz que é a escolha do detergente de roupa correcto.
É a inveja pelo sucesso de um amigo ilustrador, Robert Crumb (James Urbaniak), que leva Pekar a querer também ele a sua fatia. Opta pelo tema que lhe está mais próximo, ele mesmo. A sua inaptidão para o desenho leva-o a procurar a colaboração de diversos ilustradores do meio, incluindo Crumb, o que faz com que a sua própria imagem varie consoante quem o desenha.
A Pekar reúnem-se os diversos personagens da sua vida real. É inevitável buscar a ficção no meio do surrealismo com que cada personagem nos defronta, e é surpreendente quando nos damos conta de que nenhum deles é ficcional, por mais incríveis que possam parecer: desde os comentários impulsivos da namorada Joyce (Hope Davis), à política pró-Nerd do amigo Toby (Judah Friedlander).
A tradução da linguagem BD para o cinema é aqui obtida pelo recurso a diversos códigos visuais que fazem a ligação entre actores e personagens, entre o filme e o documentário. A visão de Pekar sobre ele mesmo (BD) é substituída por uma combinação da visão de Pekar sobre a sua representação (Giamatti) com a visão que a dupla de realizadores/documentaristas nos dá sobre Pekar.
Harvey Pekar é a personagem, Paul Giamatti o actor. A disputa de protagonismo entre um e outro torna este filme um perfeito reflexo da luta de consciência entre o que foi o passado (representado pelo actor) e aquilo que hoje se pensa sobre esse mesmo passado (representado pelo próprio).
Pekar é uma caricatura dele mesmo, com uma ironia sombria e um sentido de humor ácido que põe em cheque os tão bem defendidos valores do “american way of life”. Pekar comenta a história, criticando, defendendo, justificando, mas, no fim, é patente a resignação de se ter feito o melhor que se podia. (www.cinerama.blogs.sapo.pt)


V.O.: English / Subtítulos/Legendas: Castellano, English, Português
XviD 826 kb/s / 512x288 / 0.234 bits/pixel / 23.976 fps
mp3 129 kb/s (stereo) VBR
112 min / 733,9 MB



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sábado, 26 de febrero de 2011

Falling Down (Joel Schumacher, 1992)

FALLING DOWN
Un Día de Furia / Um Dia de Raiva
(Estados Unidos - Francia, 1992) (color, 112 min)


Director: Joel Schumacher 
Productor: Timothy Harris, Arnold Kopelson, Herschel Weingrod 
Guión: Ebbe Roe Smith 
Fotografía: Andrzej Bartkowiak 
Música: James Newton Howard
Género: Drama, Suspense
Actores: Michael Douglas, Robert Duvall, Barbara Hershey, Tuesday Weld, Rachel Ticotin, Frederic Forrest, Lois Smith, Joey Hope Singer, Ebbe Roe Smith, Michael Paul Chan, Raymond J. Barry, D.W. Moffett, Steve Park, Kimberly Scott, James Keane 


Un ciudadano de "a pie" desata sus instintos violentos y autodestructivos contra una sociedad injusta y opresiva, todo a raiz de un día de lo más estresante. Los Ángeles: en la mañana del día más caluroso del año, las autopistas están colapsadas. Soportar la terrible presión de las grandes ciudades puede provocar la ira de cualquier ciudadano. Pero Bill Foster (Michael Douglas) está dispuesto a vengarse. Foster sólo intenta regresar a casa, pero en vez de eso se dirige hacia una pesadilla urbana. Es un hombre ordinario en guerra con las frustraciones de cada día. Mientras tanto un oficial del departamento de policía de Los Ángeles (Robert Duvall), intenta detener los actos violentos de Foster provocados por su creciente agresividad... 


La película, podría decirse que se trata, muy básicamente, de alguien que tiene un mal día. Una persona tiene un pésimo día pero justo ese día decide que está harto de ello. Harto del tráfico absurdo cuando cierran calles arbitrariamente, harto de que en las tiendas tengan el poder de ponerle el precio que quieran a los productos, harto de que no te puedan servir un mcdesayuno después de las once. Y no más. 
Es especialmente sintomático para la sociedad estadounidense porque, claro, tantas leyes para darles derecho a sus ciudadanos a portar armas no pueden llevar a nada bueno si alguien decide un día desquitarse con el mundo que lo ha venido fastidiando sin más desde hace algún tiempo. Y William Foster, un norteamericano promedio con cierta tendencia a la psicosis, tiene un mal día justo cuando se decide a recorrer la ciudad para visitar a su hija (aunque hay una orden de restricción que debería advertirle lo contrario) por su cumpleaños. Y no más.
La película es fantástica por su sencillez. Seguimos a Foster durante las horas que van del punto de partida, en que abandona sin más su coche en medio del tráfico infernal, hasta la otra punta de la ciudad en que vive su ex esposa. Y lo que vamos presenciando es el modo en que su paciencia va llegando al límite, una situación a la vez. Y la manera en que la violencia gradual va perdiendo todo su contexto en una sociedad en que puedes ser atacado con tanta facilidad como puedes ir y comprar un armamento militar para ir a disparar en pleno mcdonalds. Y la mente de un hombre, regido toda su vida por las normas más estrictas, que pasa un límite al que ya no puede regresar, así que lentamente lo acepta y se interna en ese viaje sin regreso.
No hay que decir que Douglas, en quien prácticamente recae todo el peso de la película (que sí, que está Robert Duvall también luciéndose como el policía a punto de jubilarse que sigue un último caso, pero es sólo una excusa para darle un punto final lógico a la trama), está fantástico. Pasa de la imagen inicial, en que nos creeríamos que es el típico oficinista frustrado aunque correcto que se va saliendo de sus casillas, a revelarse como un verdadero psicópata. Y se ve tan creíble que nadie dudaría de que está a un paso de volverse loco.
Parte del mensaje desvirtuado de la violencia se enfatiza con escenas bastante burdas que demuestran bien esa sensación de 'sólo soy un hombre normal que de pronto tiene una pistola en las manos y las ganas de usarla'. Porque Foster no es que tenga siempre controlada la situación pero sin duda que está dispuesto a llevarla hasta sus últimas consecuencias. E incluso estas escenas también le sientan bien a la trama para darle una profundidad distinta.
Una gran película sin duda. Uno la ve y le cuesta creer que Schumacher luego fuera a arruinar a Batman. Pero sin duda lo que tenemos aquí es un buen guión y un gran protagónico. Y en el guión lo que se destaca principalmente es que consigue dejarnos esa sensación de que, finalmente, ¿quién no ha estado harto alguna vez de tener un mal día? (www.anfibiamente.blogspot.com)


O filme começa em um enorme engarrafamento numa avenida de Los Angeles (EUA). Suando em bicas, um irritado anônimo (só descobriremos o nome perto do final do longa-metragem, e por isso não vou dizê-lo aqui) abandona o carro para caminhar um pouco e espairecer. Ele é um dos milhões de anônimos que sustentam o “sonho americano”: camisa branca, gravata, maleta tipo 007 nas mãos, um par de óculos no rosto e um ar inofensivo. Ocorre que o homem, cujo carro tem na placa a sigla D-FENS (ou seja, “defesa”), é uma bomba-relógio prestes a explodir.
Depois de um desentendimento de pouca importância no bar de um comerciante coreano que deseja cobrar alguns centavos a mais por uma lata de Coca-Cola, o sujeito perde as estribeiras, destrói a loja com um taco de basebol e não retorna para o carro. Só aí começamos a conhecer os motivos de tanta pressão. Ele está tentando chegar ao aniversário da filha, que não vê há meses, porque a ex-esposa Beth Travino (Barbara Hershey) conseguiu autorização judicial para mantê-lo afastado. Aos poucos, vamos perceber que esse é só o começo dos problemas de nosso herói.
No trajeto até a praia riponga de Venice, onde a criança mora, o homem vai travar contato com habitantes de grupos urbanos dos mais diversos, alguns previsíveis e ameaçadores (membros hispânicos de uma gangue de rua), outros bizarros e surreais (velhinhos ricos aposentados que alugam uma área absurdamente grande, no coração da cidade, para jogar golfe). A trajetória dele é acompanhada de longe por um policial no último dia de trabalho antes de se aposentar, o detetive Prendergast (Robert Duvall), que o apelida pela alcunha de D-Fens e se encarrega de encontrá-lo para evitar uma tragédia. (www.carvalho.multiply.com)


V.O.: English - Korean / Subtítulos/Legendas: Castellano, English, Português e Français
XviD 1138 kb/s / 704x396 / 0.170 bits/pixel / 23.976 fps
AC3 192 kb/s (2.1) CBR
112 min / 1,2 GB



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viernes, 25 de febrero de 2011

Como era Gostoso o meu Francês (Nélson Pereira dos Santos, 1971)

Sacado de Arsenevich

COMO ERA GOSTOSO O MEU FRANCÊS
Qué sabroso estaba mi francés
(Brasil, 1971) (color, 80 min)


Direção: Nélson Pereira dos Santos
Roteiro: Nelson Pereira dos Santos
Produção: Nelson Pereira dos Santos, Luiz Carlos Barreto e Condor Filmes
Música: Zé Rodrix e Guilherme Magalhães Vaz
Fotografia: Dib Luft
Pesquisa Etnográfica: Luis Carlos Ripper
Elenco: Gabriel Araújo, Gabriel Archanjo (Mbiratata), Ana Batista, João Amaro Batista, Arduíno Colassanti (O Francês), Manfredo Colassanti, Hélio Fernando, Eduardo Imbassahy Filho (Cunhambebe), José Kléber (Ipiraguaçu), Luiz Carlos Lacerda, Maria de Souza Lima, Ana Maria Magalhães (Seboipepe), Wilson Manlio, Ana María Miranda, Célio Moreira (narração), Ital Natur, Janira Santiago, José Soares.


Como Era Gostoso o Meu Francês es una película brasileña que narra la historia de un francés capturado por la tribu Tupinamba, al que después de mantenerlo por un tiempo como prisionero lo matarán y lo comerán en una ceremonia ritual. El francés es confundido por portugués (enemigos de los tribu) y lo capturan para que les enseñe a utilizar cañones para su guerra contra los Tupiniquins; le darán una mujer y cierta libertad de movimiento mientras esperan que demuestre su valor, que luche a su lado y que entiende las costumbres de la tribu, sólo en ese momento se aceptará que forme parte de su ritual y después de una ceremonia que representa una lucha se repartirán las diferentes partes de su cuerpo entre su mujer y los más valientes guerreros.


La película está basada en los diarios del misionero Jean de Léry que fue capturado por los indios Tupinambá, conoció sus tradiciones, el canibalismo entre muchas otras, y logró escapar y escribir todo lo que aprendió. Filmada por Nelson Pereira dos Santos, uno de los representantes más importantes del Cinema Novo, con la colaboración de Humberto Mauro en los diálogos en tupi, se convirtió en una película fundacional para la tradición del tropicalismo. Está filmada en su totalidad en escenarios naturales, y en gran parte de la ella todos los personajes se encuentran desnudos. Los actores, actores de raza blanca, maquillados con tinturas para imitar el color de los indios corren con todo al aire, así como las actrices, bellas mujeres con decoraciones hechas con pintura corporal. La naturalidad de la actuación, incluso en ocasiones la sencillez de la narración, juegan a ratos entre la comedia negra y el documental.


No Brasil de 1594, um aventureiro francês prisioneiro dos Tupinambás escapa da morte graças aos seus conhecimentos de artilharia. Segundo a cultura Tupinambás, é preciso devorar o inimigo para adquirir todos os seus poderes, no caso saber utilizar a pólvora e os canhões. Enquanto aguarda ser executado, o francês aprende os hábitos dos Tupinambás e se une a uma índia e através dela toma conhecimento de um tesouro enterrado e decide fugir. A índia se recusa a segui-lo e após a batalha com a tribo inimiga, o chefe Cunhambebe marca a data da execução: o ritual antropofágico será parte das comemorações pela vitória.


V.O.: Portugués, Tupi, Francés / Subtítulos/Legendas: Castellano, English, Português
XviD 1449 kb/s / 560x416 / 0.258 bits/pixel / 23.97 fps
mp3 108 kb/s (stereo) VBR
80 min / 939,7 MB



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Película y subtítulos cortesía de Arsenevich

miércoles, 23 de febrero de 2011

Gegen Die Wand -Contra la Pared- (Fatih Akin, 2004)

GEGEN DIE WAND
Contra la Pared / Contra a Parede
(Alemania - Turquia, 2004) (color, 117 min)


Director: Fatih Akin 
Guión: Fatih Akin 
Fotografia: Rainer Klausmann 
Música: Klaus Maeck
Género: Drama 
Interpretes: Birol Ünel, Sibel Kekill, Catrin Striebeck, Güven Kirac, Meltem Cumbul 


Cahit, 40 años, temporalmente recluido en una clínica psiquiátrica después de un intento de suicidio, entiende la críptica frase: debe volver a empezar. Pero su alma atormentada le obliga a ahogar su dolor en el alcohol y las drogas. Sibel, bonita, joven y turco-alemana (como Cahit), disfruta demasiado de la vida para ser una musulmana decente. Desesperada por escapar de la cárcel de su devota y conservadora familia, finge suicidarse.


Akin es muy expresivo en presentar el estilo de vida turco y que comparte muchas similitudes con la sociedad regiomontana, sobretodo por el papel desempañado para la mujer. La fuerza de la tradición es impecable y como Sibel ve el matrimonio como la única fuente de salida para su situación en la familia, llegando a momentos drásticos en los que su hermano le rompió la nariz por estar agarrado de la mano de un hombre. El matrimonio como vía de escape para una vida de independencia. Justamente esa tendencia la he presenciado mucho como manera de poder “hacer lo que se desea” para la mujeres. En una sociedad conservadora y de tradiciones muy arraigadas, en muchas familias, la palabra del padre o la madre es ley y fuente de frustración de muchos jóvenes. Y que ven el salir de eso con el amor de su vida por medio del matrimonio para así empezar por fin esa etapa de felicidad y crecimiento que tanto desean.
Concretamente con Cahit y Sibel fue un pacto para que ella pudiera hacer lo que se le antoje (en su caso, beber y fornicar sin parar) y no involucrar a su flamante esposo. Lo curioso (y que podría parecer predecible en algún otro chic flick) es que con el tiempo, la vida de Cahit parece mejorar y sentirse mejor consigo mismo al lado de Sibel. Por lo que termina enamorándose de ella.
Lo realmente milagroso de esta película es como los hechos se van desenvolviendo. Separadas por capítulos para cada etapa de la relación y con una banda de música turca como fondo, desde casi un inicio la empatía por Cahit y Sebil es total (aunque hay que aclarar que la belleza excepcional y poco común de Sebil Kekilli ayuda mucho). La acción se desarrolla de forma natural, con un soundtrack de acompañamiento inmenso en una combinación de cantos tradicionales turcos con múscia punk, y sin poder o querer adivinar los hechos que se vendrán por lo que la sorpresa será mayor o más satisfactoria. (www.hardpop.wordpress.com/)


Sibel (Sibel Kekilli) é uma bela moça muçulmana de 20 anos de idade. Em uma clínica de recuperação, após uma tentativa de suicídio, ela conhece Cahit (Birol Ünel), um rapaz que também tem raízes turcas. Os jovens decidem se casar formalmente, apenas como um meio de permitir que Sibel escape das regras estritas de sua família conservadora. Embora ela tenha uma vida sexual independente, eles resolvem dividir um apartamento. Cahit aceita a situação no início, mas se apaixona e, num acesso de ciúmes, mata um dos amantes da companheira. Depois de cumprir pena, Cahit reencontra Sibel, ainda acreditando que eles podem ter um futuro em comum.


V.O.: Alemán, Turco & Inglés  / Subtítulos-Legendas: Español, Português & English
XviD 1222 kb/s / 640x352 / 0.216 bits/pixel / 25 fps
AC3 448 kb/s (5.1) CBR
117 min / 1,5 GB



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▓██   Gegen.Die.Wand.2004.DVDRip.XviD.AC3-TURKiSO   ██▓
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martes, 22 de febrero de 2011

Tout va Bien (Jean-Luc Godard & Jean-Pierre Gorin, 1972)

TOUT VA BIEN
Toda va Bien / Tudo vai Bem
(Italia - Francia, 1972) (color, 96 min)



Director: Jean-Luc Godard & Jean-Pierre Gorin
Guión: Jean-Luc Godard & Jean-Pierre Gorin
Productor: Jean-Pierre Rassam
Fotografía: Armand Marco
Música: Paul Beuscher
Género: Drama
Actores: Yves Montand, Jane Fonda, Vittorio Caprioli, Elizabeth Chauvin, Castel Casti, Éric Chartier, Louis Bugette, Yves Gabrielli, Pierre Oudrey, Jean Pignol, Anne Wiazemsky, Marcel Gassouk, Didier Gaudron, Michel Marot, Hugette Mieville, Luce Marneux, Natalie Simon, Cristiana Tullio-Altan, Ibrahim Seck


Un matrimonio en crisis en una sociedad en crisis, la Francia post-mayo del 68, se ve atrapado en una fábrica junto al jefe de la misma con motivo de una huelga de trabajadores. Godard disecciona la estructura de la sociedad, del cine, el amor y la revolución. ¿Puede el amor sobrevivir a la revolución? Una batería de pensamientos inunda la película de crítica hacia la sociedad y el cine modernos y satiriza sobre la visión contemporánea de la historia. (FILMAFFINITY)


Si echamos una mirada a la filmografía de Godard nos damos cuenta de la dificultad de análisis que presenta su obra, por su carácter excepcional, por la multitud de facetas y preocupaciones por las que ha atravesado, por las polémicas que ha suscitado y por la manera caótica e incompleta como ha sido exhibido recientemente en Londres. (...) toda su filmografía, que cubre a su vez dos bloques distinguibles en su trabajo: una primera etapa en la que se descubre como uno de los principales “autores” del cine contemporáneo, y que tiene sus puntos claves en A bout de soufle, Pierrot le fou y Weekend, y en la que logra que Louis Aragon llegue a decir de él que “Godard es el cine”; una segunda que tiene como punto crítico “mayo del 68″ y que supone, según las propias palabras de Godard en Le gai savoir, “una larga marcha hacia un cine que puede servir a la causa del pueblo”. Se trata de una “larga marcha” condicionada por su inclusión en el grupo “Dziga Vertov”, junto con Gorin, Gerard Martin, Nathalle Billard y Armand Marco, y marcada por un esquematismo político de tendencia maoista que les llevaría a elegir el nombre de “Dziga Vertov”, partiendo del simplismo de considerar, en el interior del cine de la antigua URSS, a Pudovkin “de derechas”, a Eisenstein “de centro” y a Vertov “de izquierdas”.
La elección de Tout va bien como el final de una etapa es porque este film supone, en cierta manera, el reconocimiento del fracaso de unas prácticas de difusión que pretenden llegar a las masas y son condenadas a lo subterráneo” Así lo reconocía Godard en una entrevista a “Cinema 70″: “Pensamos que estos films están mal producidos, y el caso es que los que se difunden así no predican más que a los convencidos”.
Tout va bien signifícó su vuelta a los canales de la industria y también un fracaso en esa línea. Desde ese film hasta Sauve qui peut (la vie) hay una serie de trabajos en video que suponen la transformación del Godard que hace “políticamente films políticos” a un Godard que se presenta como “investigador de la imagen y el sonido”. (www.dadaisforever.wordpress.com)


O filme concentra-se na greve de uma fábrica de lingüiças, testemunhada por uma repórter americana e seu marido francês que é diretor de cinema. Filme com fundo marxista e muito Brechtiano em suas qualidades formais. O cenário da fábrica possui um corte transversal no edifício que permite uma câmera sobre o “Carrinho Dolly”, pular de um lado para outro, teoricamente atravessando as paredes. Está técnica faz a fabrica parecer uma fazenda de formigas, que serve de ordem do dia para o movimento marxista. O filme homenageia também, a película de Jerry Lewis, The Ladies Man, na qual um jogo semelhante de cenário, e câmera é usado na pensão das mulheres. Godard E Gorin inspiram-se na carta de Jane, sobre as fotos que Fonda tirou em sua visita a Hanói, durante a guerra do Vietnã. Um questionamento a posição que os intelectuais devem tomar na luta de classes. Obra-prima impar do controverso diretor, Godard.



V.O.: Francés, Inglés  / Subtítulos-Legendas: Español, Português & English
XviD 902 kb/s / 544x320 / 0.175 bits/pixel / 23.976 fps
mp3 111 kb/s (stereo) VBR
96 min / 730,0 MB




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▓██   Tout.Va.Bien.1972.DVDRip.XviD-VALiOMEDiA.avi   ██▓
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domingo, 20 de febrero de 2011

Vals Im Bashir (Ari Folman, 2008)

VALS IM BASHIR
Waltz with Bashir / A Valsa com Bashir
(Israel - Alemania - Francia, 2008) (color, 87 min)


Dirección: Ari Folman.
Guión: Ari Folman.
Música: Max Richter.
Productora: Bridgit Folman Film Gang / Les Films d'Ici / Razor Film / Arte France / ITVS International.
Género: Animación, Documental.
Reparto: Ron Ben-Yishaim, Ronny Dayag, Ari Folman, Dror Harazi (voces).


Documental animado sobre la matanza de refugiados palestinos en Sabra y Chatila (Líbano) en 1982. Una noche, en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari que tiene una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Cada noche, el mismo número de animales. Los dos hombres llegan a la conclusión de que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la verdad acerca de ese periodo y de sí mismo. Ari escarba cada vez más y sus recuerdos empiezan a reaparecer mediante imágenes surrealistas... (FILMAFFINITY)


Vals im Bashir es un film documental, que está guiado por una animación brillante. Narra, con una divagación entre lo onírico y lo real, la inquietud que sintió el director, Ari Folman, al descubrir que no recordaba la masacre en los campos de refugiados palestinos: cuando los falangistas cristianos aniquilaron a la población con el beneplácito de las tropas israelíes. Era el año 1982, y la guerra entre Líbano e Israel marcó una muesca más en las contínuas violaciones de los derechos humanos que este Estado ha cometido desde su fundación. También habla de la memoria, y de esa capacidad misteriosa para bloquear determinados recuerdos y, de jugar con nuestro pasado. Así, la película se presenta como un viaje -una experiencia vital que deriva en reportaje- que pretende descubrir, gracias a entrevistas con antiguos compañeros del ejército, si Ari Folman vio ese crimen contra la humanidad.
El protagonista reacciona cuando un amigo le cuenta un sueño que se le repite desde la guerra. Entonces, la narración se apoya en otros personajes secundarios para hacer que la historia avance. Cada punto de vista ofrece una guerra diferente, una forma de vivir esos días; y es lo que ayuda a Ari Folman a explicar lo que ocurrió en los campamentos de refugiados de Sabra y Shatila. El aspecto onírico de la película aparece en la reconstrucción de los recuerdos, porque se van enlazando de la misma manera que en un sueño: ideas aisladas, que se distorsionan, que aparecen y desaparecen. Esta forma de estructurar el guión habla de los recuerdos que bloquea y esconde en un laberinto el soldado que ha sufrido en el frente. Pero también habla de la memoria colectiva, que es olvidadiza casi siempre, y que se convierte en cómplice de los crímenes. Es una llamada de atención a la sociedad de Israel, para que aprenda de los errores del pasado.
Es una película antibelicista, que ridiculiza la jerarquía militar y, que critica el abuso de poder de su propio ejército. Un aspecto del que se ha discutido estos meses debido a la “guerra” desatada por Israel en territorio palestino; el film habla del desequilibrio de fuerzas militares. Aspecto que, también, recuerda a la guerra de Irak. Además, igual que en la mini serie “Generation Kill“, los soldados cantan en sus tanques, lo que refleja un ambiente relajado -ajeno a la realidad- que se ve normal porque los reclutas son jóvenes, inconscientes y, sobre todo, todavía inocentes.
Las tropas vuelven a casa de permiso y se encuentran con una sociedad que no les presta atención. Un día a día que no se ve afectado por ningún conflicto. El protagonista choca con la realidad, pero se difumina porque la masa le absorbe. Esto nos cuenta una realidad inquietante: la exposición a la violencia está adoptada con normalidad en nuestro día a día, y no sólo en Oriente Próximo. Este sentimiento que denuncian los veteranos de otras guerras impopulares, como Vietnam o Irak, ha evolucionado hacia un pacifismo extremo, que reniega de sus ciudadanos. Por ello, estos soldados sufren un trauma psicológico al no poder expresar su sufrimiento.
Además, la película habla de una generación quebrada por la guerra. Cada personaje tiene un relato propio, que expresan, a veces, con timidez, pero que es parte de su forma de ser. Otro símil con Estados Unidos y su cine, que tiende a reflejar esos problemas generacionales que las guerras han abierto en la sociedad. El último caso que recuerdo es “Gran Torino“(2008) de Clint Eastwood.
El último rasgo que quiero apuntar es el tratamiento estético del trabajo: Ari Folman ha diseñado una joya de la animación, que mientras se disfruta en la butaca de cine (salón u otros aposentos) un espectador siente que este guión tiene que venir de una novela gráfica, pero es el caso contrario, la película ha dado lugar al libro (fuente: blog LenteCreativo). Cada imagen es una perla, cuidada por su dueño, que cambia y evoluciona con los hechos, y que da protagonismo a los personajes terciarios. (www.sinfuturoysinunduro.com)


A Valsa com Bashir é a reconstrução da memória da guerra de 1982 no Líbano. Começamos com o pesadelo contado no café a Ari Folman: Boaz Rein Buskila era um jovem soldado israelita e, sendo incapaz de atirar sobre humanos, foi-lhe incumbida a missão de matar os cães do lado libanês que, ladrando, davam conta da chegada de estranhos; o mandato, que fora executado por 26 vezes e há mais de 20 anos, também não havia agradado sobremaneira a Boaz e perturbava-lhe agora o sono – todos as noites sonhava ser perseguido por uma matilha de não mais que 26 cães. Porquê agora? E do relato Boaz passa a interpelar Folman – do que se lembra ele de Beirute, 1982?
O confronto é fracturante para a história do Médio Oriente. Foi em Setembro desse ano, entre os dias 16 e 18 para ser mais exacto, que sucedeu o massacre nos campos de refugiados de Sabra e de Shatila. (www.rascunho.net)



V.O.: Hebreo, Alemán, Inglés  / Subtítulos-Legendas: Español, Português, English & Français
XviD 984 kb/s / 640x352 / 0.175 bits/pixel / 25 fps
mp3 128 kb/s (stereo) VBR
87 min / 730,7 MB



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sábado, 19 de febrero de 2011

The Visitor (Thomas McCarthy, 2007)

THE VISITOR
El Visitante / O Visitante
(EE.UU., 2007) (color, 103 min)


Director: Thomas McCarthy
Guión: Thomas McCarthy
Fotografía: Oliver Bokelberg
Música: Jan A.P. Kaczmarek
Género: Drama, Inmigración
Actores: Richard Jenkins (Prof. Walter Vale), Haaz Sleiman (Tarek Khalil), Danai Jekesai Gurira (Zainab (as Danai Gurira)), Hiam Abbass (Mouna Khalil)


Un profesor de universidad encerrado en si mismo y desapasionado viaja a Nueva York para asistir a una conferencia. Al ir su apartamento que tenia abandonado en el cual vivió muchos años con su fallecida esposa, se encuentra dentro a una pareja de inmigrantes que han hecho su hogar allí. Tras la sorpresa inicial, les invita a quedarse unos días mientras buscan otro lugar donde vivir. Poco a poco y a ritmo de tambor africano, se crea una conexión y relación entre ellos, especialmente entre ambos hombres. Pero el problema de que residen ilegalmente en el país les golpea sacudiendo sus realidades.


Esta película de vínculos entre personas consigue realmente mostrarlos y además hacer partícipe al espectador. "El Visitante" es un drama construido con delicadeza,  ternura y que trasmite magníficamente la humanidad de su historia sin caer nunca en la sensiblería. Cuenta además con un sólido guión, al que sólo se le podría reprochar el cambio de orientación en su tercer acto hacia un tono más narrativo. Las actuaciones son excelentes y hay que destacar la de Richard Jenkins, quien encarna al protagonista, que con únicamente sus silencios y expresión construye ya perfectamente a un personaje con múltiples matices. En resumen, es una película que cuenta una historia sobre personas y una realidad actual de la mejor forma posible. (www.criticscinema.com)


Walter Vale, um solitário professor do Connecticut, recentemente viúvo, regressar a Nova Iorque para assistir a uma conferência e encontra o seu apartamento de Manhattan ocupado por um jovem casal de imigrantes ilegais. Depois de esclarecida a intromissão, Vale convida o casal – um jovem músico sírio chamado Tarek e a sua namorada senegalesa – a ficar a viver com ele. Uma improvável amizade que acaba por se desenvolver entre o pacato Prof. Vale e o vibrante Tarek. Mas os bons momentos depressa são perturbados pela injusta prisão de Tarek e a sua possível deportação. Vale, que está determinado a ajudar, inicia uma verdadeira cruzada pela libertação de Tarek.
Mesmo tendo as excelentes interpretações de Richard Jenkins Oscar – e da atriz palestino-israelense Hiam Abbass, o filme O Visitante, de Thomas McCarthy, convence pouco ao abordar a questão do envolvimento emocional de um professor universitário americano com imigrantes ilegais submetidos ao humilhante tratamento que lhes é imposto, nos EUA, após os atos terroristas de 11 de setembro de 2001.


V.O.: Inglés / Subtítulos-Legendas: Español, Português & English
XviD 809 kb/s / 624x336 / 0.161 bits/pixel / 23.976 fps
mp3 128 kb/s (stereo) VBR
103 min / 734,6 MB



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